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13 conseils superutiles pour photographier des intérieurs


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Le smartphone va-t-il révolutionner le cinéma ?
« La Vertu des impondérables » est l’un des derniers films de Claude Lelouch. Son originalité est d’avoir été filmé avec des smartphones; il nous explique pourquoi...

Mediakwest : Pourquoi avoir choisi le smartphone comme outil de création ?

Claude Lelouch : C’est parce que je suis observateur, et tout ce qui touche à l’image m’intéresse. Il est vrai que je me suis servi de ce smartphone pour faire des repérages à titre personnel. C’est en regardant la profondeur de champ et la qualité de l’image que j’ai pensé que ce petit outil, qui a été conçu pour les amateurs, était peut-être l’outil qui manque aux professionnels.

Pour moi, qui suis cameraman, cadreur de mes films, cette légèreté, cette qualité d’image est absolument incroyable ! On ne peut même pas le comparer au 16 ou au 35 mm. C’est autre chose de différent ! Son optique à focale courte est celle qui se rapproche le plus près de l’œil humain, ce qui offre une très grande profondeur de champ, comparable à votre vision et à la mienne. J’ai fait des essais pour voir en cinémascope sur un grand écran ce que cela donnerait, c’est révolutionnaire, c’est absolument impressionnant !
Aussi, j’ai décidé de faire un film avec ça, avec toute la facilité que cela représente. C’est une machine absolument incroyable. J’en ai rêvé toute ma vie et je ne pensais pas qu’un jour elle existerait. J’ai alors décidé de faire un vrai film avec, pour montrer à tous les mômes du monde que s’ils ont envie de faire un film, c’est possible !

J’ai cette petite machine sur moi tout le temps et je peux filmer à tout moment, c’est un iPhone X. Quand j’ai découvert les possibilités de ce smartphone j’ai constaté que c’était un objet fantastique ! Certes, cela ne remplacera pas les caméras existantes mais c’est une caméra en plus, utile pour les plans-séquences, pour les plans en voiture, pour les plans dans des décors difficiles d’accès. Je pense que cela va être une grande révolution dans le cinéma.

C’est vraiment un engin qui va permettre à tous les mômes qui veulent dire quelque chose avec le cinéma, de pouvoir le faire. Aujourd’hui les plus grands reporters du monde c’est eux ! Ils sont là où il faut, quand il y a un tsunami, une tempête ou un attentat. Aujourd’hui ce sont ces images là que l’on voit. Il est important d’apprendre à filmer à tout le monde puisque maintenant les reporters sont dans la rue, et il faut qu’ils sachent filmer !

M. : C’est pour passer le flambeau que vous avez créé les Ateliers du cinéma de Beaune ?

C. L. : Oui, les Ateliers du cinéma ne sont pas une école mais son contraire. Ce sont des ateliers où l’on fait des films. Les mômes ont la possibilité de voir comment on fait, en les regardant et en y participant. Moi, j’ai appris comme ça ! Je viens du cinéma d’amateur, ce que j’ai appris c’est en regardant les autres faire, en regardant des grands professionnels du monde travailler. Hélas, ils ne sont pas tous des transmetteurs, pour décrire leur savoir. Quand on les regarde travailler, que ce soit des réalisateurs, des comédiens, on voit exactement de quoi est fait ce métier.

M. : Ce sont les bases de l’enseignement pratiqué à Beaune ?

C. L. : Oui, j’interviens régulièrement à Beaune. Quand je fais des films, j’invite les apprentis à participer au tournage, à l’écriture et au montage. C’est un lieu où ils peuvent travailler, faire des films. À Beaune, on va accueillir bientôt la troisième promotion et sachez que les apprentis des deux premières promotions ont tous trouvé du travail. C’est réjouissant ! C’est en faisant des films qu’on apprend, mais aussi en allant voir ceux des autres, grâce à notre ciné-club quotidien.

M. : Cette approche est spécifique à vos Ateliers du cinéma ?

C. L. : Je crois beaucoup au cinéma d’amateur, c’est la plus belle école du monde ! Les grandes écoles de cinéma nous apprennent à filmer à la manière de… alors que le cinéma d’amateur nous apprend à filmer à votre manière. Cela change beaucoup de choses. Moi je n’aurais pas mon style propre si j’avais été dans une école de cinéma qui m’aurait appris à filmer à la manière de grands maîtres comme Fellini ou Orson Welles. Le cinéma d’amateur vous force à inventer votre propre style ! Voilà, je crois au cinéma d’amateur. Je ne suis rien d’autre qu’un cinéaste amateur qui a eu la chance d’intéresser le public. Le cinéma d’amateur peut dépasser un professionnel car il peut aller plus loin, car il n’a peur de rien. Il n’a pas peur des clichés. Je revendique le fait d’être un cinéaste amateur. Pour moi c’est très important car dans « amateur » il y a le mot « amour ». Tous mes films je les ai réalisés parce que j’en avais envie. Je n’ai pas réalisé de films de commande en dehors de scopitones et de quelques pubs.

M. : Avec un smartphone l’équipe technique est réduite ?

C. L. : En effet, parfois, je suis l’équipe technique à moi tout seul. Il m’arrive de filmer seul dans la rue ! Mais c’est bien de s’adjoindre un ou deux assistants caméra qui peuvent piloter le diaphragme et le point avec un second iPhone qui reçoit votre image et peut l’améliorer et la contrôler (exposition et mise au point).

On est en passe de retrouver les possibilités du cinéma professionnel. Le directeur photo sera toujours utile pour rajouter une lumière, améliorer le visage de quelqu’un. En extérieur on n’a plus besoin de rien, mais parfois en intérieur quand la lumière est basse. Le directeur photo et les techniciens seront toujours utiles.

On a fait le film en treize jours ! Après tournage, les prises vues sont transférées sur un ordinateur et traitées comme les images d’une caméra normale aux Ateliers où l’on fabrique nous-mêmes le DCP. C’est tellement impressionnant que je pense que maintenant je vais faire tous mes films avec ça.

Je ne suis pas tout seul ! Steven Soderbergh aussi a pris beaucoup de plaisir à filmer avec un smartphone. L’image était remarquable, bien que ce soit un modèle plus ancien. Cela va changer beaucoup de choses ! M. : Qu’en est-il du son ?

C. L. : Pour le son, on a toujours les micros cravate et la perche. S’il n’y a pas de bruit entre vous et moi, le son de l’iPhone reste convenable pour un son témoin. Dès qu’on est dans un milieu ambiant où il y a beaucoup de bruit, il est nécessaire d’utiliser les micros d’aujourd’hui, beaucoup plus performants. Mon ingénieur du son travaille de la même manière que sur un film traditionnel. C’est l’image qui est absolument impressionnante !

M. : Avec l’iPhone, vous pouvez faire du gros plan et du plan large ?

C. L. : Oui c’est le cinéma que je pratique ! Je n’aime pas les plans moyens. Avec la courte focale tout est net, c’est le rêve. La profondeur de champ, c’était le rêve d’Orson Welles, il tournait tous ses films avec des courtes focales. C’est la focale idéale, c’est la vision humaine. Vous me regardez en courte focale. C’est votre cerveau qui fait des gros plans sur moi, sinon vous voyez le bureau, le téléphone, la lampe. J’utilise aussi des optiques additionnelles. Aujourd’hui et avec les nouvelles machines qui arrivent cela va être encore plus révolutionnaire. On a déjà commercialisé un zoom qui est l’équivalent d’un 25-250 mm.

M. : Vous pensez diffuser votre film La Vertu des impondérables en grande salle ?

C. L. : Oui sur un grand écran, l’année prochaine. Cette année au Festival d’Angoulême il a reçu un très gros succès, c’était magique ! Le cinéma est un art de technologie et la technologie fait des progrès hallucinants. Là, je vous parle de cette machine, mais dans les cinq ans qui vont venir peut-être qu’on n’utilisera plus du tout les caméras existantes, tellement la définition est parfaite. On peut tout faire ! Pourquoi les professionnels ne l’utiliseraient-ils pas ? C’est dommage que ce soit un vieux « con » comme moi qui fasse cela. M. : Votre smartphone est toujours avec vous ?

C. L. : Oui, j’ai une caméra dans la poche qui m’accompagne partout, je peux dégainer à tout moment comme dans les westerns, c’est mon colt. C’est un objet qui va changer le monde et je pense que les grands cinéastes vont très vite s’apercevoir de la force de cette caméra qui est une caméra supplémentaire qui ne remplace pas ces merveilleux objectifs, qui ont une super définition.

Le smartphone filme en 4K. Si vous projetez une image 70 mm on ne peut pas dire que c’est moins bien ou mieux, c’est autre chose, une autre façon de voir le monde ! Dans mon film La Vertu des impondérables il y a un plan séquence de cinq minutes que je n’aurais pas pu faire avec une caméra normale. J’espère que tous les mômes vont se jeter dessus !

Je crois au cinéma comme certains croient en Dieu. Je pense qu’un jour un film sera tellement beau, tellement réussi qu’en deux heures il changera beaucoup de choses. C’est un moyen de communication formidable ! Pour l’instant, le cinéma tourne un peu en rond, je pense que le smartphone va lui ouvrir de nouvelles portes !

M. : Dans vos films, vous arrivez toujours à réunir des artistes prestigieux ? Quel est votre secret ?

C. L. : Je pense que c’est parce que cela les amuse de tourner avec moi. Je les libère au lieu de les contraindre. D’un seul coup, ils se sentent plus libres ! C’est le cinéma de la liberté et pas celui de la contrainte, donc quand ils viennent chez moi c’est la récréation. J’aurais adoré tourner avec Gabin, De Funès, mais la vie est ainsi et Gabin est mort trop tôt. J’ai tourné avec Michèle Morgan. Je me suis bien amusé et je pense que je suis un cinéaste gâté. Il n’y a pas beaucoup de cinéastes qui ont tourné 50 films. Je n’aurais jamais imaginé pouvoir tourner, écrire et produire tous ces films.

J’ai accompagné le cinéma pendant 60 ans où j’ai vu les mille et une façons de fabriquer et produire des films. Il n’y a pas de règle ! Le cinéma, on peut le faire à tout âge, la preuve. Dès notre naissance, on fait du cinéma. En sortant du ventre de notre mère, on filme avec nos yeux. Le cinéma est un art naturel à l’inverse de tous les autres arts qu’il faut apprendre. Le cinéma on ne l’apprend pas, il s’apprend tout seul.

M. : Que pensez-vous de la 3D ?

C. L. : C’est bien pour le cinéma américain, les blockbusters. Il y a de nombreux films qui font trembler les fauteuils, avec des effets. Pour un film d’auteur, ce n’est pas important. C’est bien pour les films spectacles qui ressemblent à des tours de manèges. C’est bien pour les films de Disney, mais pour les vrais films d’auteur je pense que c’est une dispersion. Les films d’auteur ont besoin que l’on se concentre sur le fond et la forme.

M : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma ? Passera-t-il par le smartphone ?

C. L : Je pense que le cinéma peut changer le monde et le smartphone est aujourd’hui la machine la plus perfectionnée pour permettre au monde de faire des progrès au niveau de la tolérance, de la prise de conscience. Les mômes ne se rendent pas compte qu’on vit une époque de rêve, c’est la plus belle époque depuis la nuit des temps, mais ils ne le savent pas, et de nous faire croire que c’est un cauchemar alors qu’en ce moment on fait des caprices d’enfants gâtés.

J’ai connu une période où les gens pleuraient, maintenant ils pleurnichent ; avant ils riaient, maintenant ils ricanent. On est des enfants gâtés ! Moi je ne peux pas me plaindre. Quand j’aime quelque chose, j’ai envie que la Terre entière l’aime. Ce sont les mômes qui devraient faire cela ! Mais eux, ils rêvent de grosses caméras, de fauteuils avec leur nom dans le dos, de projecteurs. J’ai connu ça, j’ai eu droit à ça !

Aujourd’hui c’est une grande révolution ! J’en suis convaincu, parce que le smartphone va l’améliorer considérablement, car le cinéma coûte de plus en plus cher ! Il va falloir réduire les coûts de production qui sont de plus en plus élevés. C’est un appareil formidable pour le metteur en scène, le caméraman ; pour certains, cela n’apportera pas grand-chose, mais pour tous les metteurs en scène qui tiennent leur caméra, cela va être une grande révolution !

M. : Quels sont vos projets ?

C. L. : Mon projet est de sortir ce film l’année prochaine, La Vertu des impondérables, et ensuite de faire un film qui sera peut-être mon dernier film parce que maintenant je me rapproche d’un âge où à chaque film, je me dis que c’est peut-être mon dernier. Tous les films que je fais maintenant, je les fais comme si c’était chaque fois le dernier ; et je vais faire un film qui va essayer de mettre au propre 60 ans de brouillon. Je vais mettre au propre les deux ou trois certitudes auxquelles je crois aujourd’hui.

Voilà, il y a deux ou trois choses, après avoir vécu tout ce que j’ai vécu, qui me semblent essentielles. D’abord que les choses ne se passent jamais comme on les avait imaginées, ça j’en suis sûr ! qu’à chaque fois que l’on dit oui ou non on change notre vie, qu’il n’y a pas de oui ou de non innocents, et que définitivement l’amour c’est mieux que la vie, même quand cela fait très mal. C’est autour de ces trois thèmes que je vais faire mon prochain film.

Pour faire un bon générique
et remercier ainsi tous ceux qui vous ont aidé lors du tournage de votre film …

Voici un exemple d’équipe que l’on retrouve habituellement sur un tournage. Autrement dit Qui est qui et qui fait quoi ?

Le producteur
qui gère le budget. (C’est en quelque sorte l’armateur du navire)

Le réalisateur
qui est le maître d’œuvre. Il a en charge tous les choix sur ce qui doit apparaître à l’écran. (C’est le capitaine du navire)

Les acteurs
sont les personnes dont le corps ou la voix seront présents dans le film. Cela va des rôles principaux à la figuration. (Ils sont les passagers du navire)

Les techniciens
exécutent les ordres du réalisateur. (Ce sont les marins du navire)

Voici quelques uns des postes principaux :

Le directeur artistique
s’occupe de l’aspect visuel du film en accord avec le réalisateur. Il dirige donc toute l’équipe technique en accord avec le directeur de la photographie.

Le directeur de la photographie (ou chef-opérateur)
s’occupe de la lumière et des caméras. Il est responsable de la qualité et du rendu de l’image du film. Il dirige le travail des éclairagistes et des cadreurs.

Le chef-décorateur
est responsable de la conception (ou de la recherche) des décors. Il dirige une équipe d’ouvriers spécialisés qui fabriquent les différents décors.

Le cameraman ou cadreur
est le responsable de la camera. Il fait le cadre.

L’assistant cameraman
est généralement à côté de la camera et manipule les réglages dont le cadreur ne peut s’occuper. (Par exemple la netteté, dans ce cas on l’appelle le pointeur.) Il a en charge également l’approvisionnement en films, cassettes ou cartes (qu’il doit préparer) ainsi que les différents filtres et objectifs.

L’ingénieur du son
est responsable de l’enregistrement de la partie sonore du film.

Le perchiste (ou preneur de son)
est l’assistant de l’ingénieur du son. Il manipule la perche qui permet d’approcher le micro au plus près des acteurs sans entrer dans le champ.

Le/la scripte
est responsable de la continuité entre les plans filmés, pour éviter les fautes de raccord. Il/elle note pour chaque plan les paramètres de la caméra (comme l’objectif et l’ouverture) la position des acteurs et des objets, le jeu des acteurs etc …

L’éclairagiste ou le chef électricien
gère la mise en place du matériel d’éclairage. Il dirige une équipe d’électriciens qui installent les éclairages et les filtres.

L’ensemblier ou assistant-décorateur
s’occupe des meubles qui décorent la scène.

l’accessoiriste
prépare les objets utilisés par les acteurs et travaille souvent comme assistant de l’ensemblier.

La maquilleuse
prépare les acteurs en modifiant la couleur de leur peau en fonction des conditions d’éclairage et des filtres utilisés. Elle s’occupe également des postiches et des trucages, comme des coupures ou des bleus …

Le coiffeur
coiffe et décoiffe les acteurs. (Il arrive parfois que ce poste soit tenu également par la maquilleuse)

L’habilleuse
aide les acteurs à enfiler les costumes prévus dans le scénario. (A ne pas confondre avec le costumier qui est le créateur des costumes et qui n’est généralement pas présent sur le tournage)

Le régisseur
seconde le réalisateur pour tous les problèmes techniques. Il organise le plateau de tournage et le travail des différentes équipes, y compris les acteurs.

Le cantinier
et son équipe s’occupent de la nourriture et des boissons des acteurs et des techniciens durant le tournage. (Catering)

Le cascadeur
effectue toutes les scènes dangereuses ou qui demandent une aptitude particulière, à la place du comédien.

La doublure
est une personne qui ressemble à un acteur et qui prend sa place pour des réglages, notamment la lumière. (une doublure est généralement réservée aux seules stars).

Le figurant
est un acteur qui apparaît à l’écran sans avoir un rôle majeur. Il n’a généralement pas de dialogue.

Le photographe de plateau
prend des photos des acteurs dans le décor du film. Généralement il fait provision de photos du tournage et de tous les membres de l’équipe.

Quand je vous disais que le cinéma était une affaire d’équipe et non d’individu ! Si nous ajoutons à l’équipe de tournage, tous les intervenants dans la postproduction (montage, sonorisation, musiciens … et j’en passe ….) et tous ceux qui sont à l’origine du film (scénariste, dialoguiste, dessinateur …) il y a de quoi établir un générique correct.

André

Fonds verts (Chromakey)

Le tournage sur fond vert (ou bleu) est une méthode appelée aussi CHROMAKEY permettant de s’incruster sur n’importe quel décor. Grâce à ce procédé, vous pouvez vous filmer chez vous et apparaître en montage, sur la plage, dans un dessin animé ou même dans un vaisseau de Star Wars. C’est une installation qui ne coûte pas très cher, mais qui demande un peu de technique et d’organisation en fonction de ce qu’on veut en faire.

Comment ça marche ?

Le principe est simple, en filmant une personne sur un fond uni, il devient beaucoup plus facile lors du montage de le masquer et de le remplacer par de la photo, vidéo, animation, etc. Si ce fond est généralement vert, c’est parce que c’est la couleur la moins présente dans les tons chairs.

Dans le cas où le sujet filmé est dans des tons verts, on choisira plutôt un fond bleu.

Choisir son fond vert.



Pour les petits budgets, on peut facilement trouver ça dans des magasins de bricolage ou de déco. Ceux qui ont une bourse un peu plus importante peuvent commander un fond plus professionnel sur des sites spécialisés.

Les fonds verts pas chers (cliquez)

Fond vert en tissu :
Très pratique parce que facile à ranger et à réutiliser, il est cependant un peu cher quand on a besoin d’une surface un peu grande et nécessite une installation pour pouvoir l’accrocher et le maintenir bien tendu. Il en existe des petits modèles pliables qui ne se froissent pas.

Fond vert papier :
En rouleaux ou en panneaux, il est bien moins cher que le tissu mais a une moins bonne durée de vie. Quand il commence à être un peu trop froissé, cela risque de gêner l’incrustation.

Fond vert peinture :
C’est le plus rentable, surtout quand on a besoin d’une surface importante. Mais la peinture, ça reste… c’est le problème. Dans tous les cas, et en particulier pour la peinture, il faut faire attention à ce que le vert soit d’une couleur vive, bien unie et n’ait aucune brillance. Sinon d’une part, les éclairages risquent de faire des points lumineux blancs sur le fond, et d’autre part le fond risque de se refléter sur le sujet.

Tournage

Pour que l’incrustation soit « propre », plusieurs points sont importants.

Le fond vert doit être uni, lisse et flashy.

La lumière est cruciale quand vous voulez réaliser une vidéo de qualité. Assurez-vous de répartir la lumière sur l’écran vert de façon uniforme afin de ne pas avoir plusieurs nuances de vert différentes et de vous faciliter la tâche en post production.



Tout d'abord une règle importante :

Le fond vert n'a pas besoin d'être violemment éclairé, mais uniformément éclairé. Donc pas la peine de faire la course à la puissance.

Donc des sources larges et diffuses ; les plus employées pour cet usage sont les projecteurs à tubes fluorescents. A puissance lumineuse égale, ils chauffent beaucoup moins que des projecteurs à incandescence type "mandarine". La lumière est douce et diffuse. Si vous utilisez des tubes fluorescents du commerce, leur légère dominante verte ne sera pas un problème. Sur un fond de taille moyenne, utilisez-les verticalement un de chaque côté, et si vous en avez la possibilité, un au-dessus éclairant vers le bas à 45°. Pour réaliser ces luminaires, ac hetez des doubles réglettes fluos 1,20m ou 1,50m, mais prenez garde à les choisir avec ballasts électroniques et surtout pas selfiques ! Ces derniers pulsants avec comme référence le 50 Hz si vous filmez à 50I/s vous aurez une impression de clignotement permanent (flicker). Les ballasts électroniques travaillants dans la gamme des 400 Hz pour les plus simples le problème n’apparaîtra pas. Choisissez la température des couleurs en fonction des autres sources que vous aurez pour éclairer votre sujet ; 3200 K ou 5600 K. Dans les commerces de bricolage, on trouve couramment des tubes en 3000K, 4000K et 6000K. Pour Avoir des tubes parfaitement calibrés en 3200K ou 5600K il faudra passer par des fournisseur de matériel d'éclairage professionnels ; là, vous trouverez votre bonheur chez Osram, Kinoflo , GE ou d'autres, mais pour un tarif supérieur … Qualité oblige.

Kit d'éclairage pas cher (cliquez)

Même la meilleure des caméras et le meilleur des programmes ne pourraient corriger un mauvais éclairage. Si la lumière est répandue de façon homogène sur l’écran, il vous sera plus facile de retirer le fond et le rendre transparent.

Pour préparer un écran vert au mieux, 6 apports de lumières sont nécessaires. Deux ou trois lumières sont utilisées pour éclairer le fond (toujours, de manière uniforme). Une fois le fond éclairé, il faut passer à l’éclairage des / du protagoniste. Le premier pas est d’ajouter une lumière à l’arrière de l’acteur : le mieux est de la placer derrière les épaules et la tête de l’acteur. Cet apport de lumière sert à différencier l’acteur du fond. Attention à ne pas créer une sorte de halo derrière la personne.

Enfin, il faut mettre en place la lumière principale, celle qui éclaire le visage et le corps de l’acteur. Elle doit être diffusée de manière uniforme. Le prochain point de lumière va aussi sur l’acteur et sert à éclairer le côté opposé de l’acteur. Combiné à la lumière principale ce point de lumière sert à créer un léger contraste sur le visage pour le faire ressortir sur l’écran.

Le but du jeu pour un bon éclairage : ne pas avoir de zones vertes claires ou vertes foncées.



Tout d'abord en 1 et 2 les éclairages que nous avons vus à la page précédente. Fluos, Leds, Ambiances … Avec évidemment un diffuseur devant pour étaler et adoucir au maximum la lumière. Si cela est possible, un appareil du même type accroché en hauteur au milieu du fond (3).

En 4, un projecteur servant à détacher le sujet par rapport au fond, contre-jour (voir plus loin). En 5 et 6, deux sources ; Une face caméra et une autre ¾ face. Ces sources seront-elles aussi diffusées afin d'adoucir les ombres projetées éventuelles.

Bien choisir sa surface

Les écrans de couleurs peuvent être soit bleu, soit vert. Les écrans verts sont plus répandus que les bleus à cause des yeux bleus qui pourraient disparaître sur un fond bleu. Ces couleurs sont utilisées parce qu’elles ne sont présentes dans aucune couleur de peau existantes. Quand vous retirez tout le vert et le bleu, l’acteur ressortira clairement du moment qu’il ne porte pas de vert ou de bleu.

Vous pouvez créer un écran vert à partir de plusieurs matières : papier, mur peint, tissu du moment qu’il a une apparence régulière. Un tissu froissé ou un papier brillant ne fonctionneront pas, il faut s’assurer une surface aussi homogène que la lumière qui y sera diffusée.

Attention aux débordements

L’un des plus gros défis avec l’écran vert est de s’assurer que l’acteur ne se déplace pas au-delà de l’écran vert et qu’aucun de ses membres disparaissent du cadre. Une main qui dépasse ne serait-ce qu’un tout petit peu du cadre peut ruiner la captation entière. Une petite répétition avant le shooting peut donc s’avérer très utile.

Attention aux reflets et aux cheveux blonds

Même si votre éclairage arrière est parfait, les cheveux blonds ou fins peuvent être un problème. La couleur jaune est proche du vert. La solution à ce problème : l’utilisation d’une gélatine couleur magenta sur la lampe qui est responsable de l’éclairage arrière.

Un autre défi : celui de vaincre les reflets, attention donc à éviter les lunettes, les bijoux brillants et globalement tout ce qui est susceptible de renvoyer de la lumière.

Attention aux ombres

Il faut bien faire attention que votre acteur ne soit pas trop proche de l’écran vert afin que son ombre ne s’y retrouve pas. Si l’écran est assombri et crée une autre nuance de vert, le travail de post production sera multiplié par deux.

Le sujet filmé ne doit pas être trop proche du fond (au moins 1m) pour ne pas avoir des reflets verts sur lui. C’est pour ça que le fond doit être assez grand pour que le sujet ne dépasse pas du fond (surtout s’il est en mouvement). Attention aux vêtements ou accessoires verts qui risquent de devenir invisibles.

L’éclairage du sujet est totalement indépendant de celui du fond.
Comment tourner un film à une personne

Vous avez une caméra, une idée et tout ce dont vous avez besoin pour faire un film, mais vous n’avez pas d’acteurs ou d’équipe pour vous aider. Que vous vous ennuyiez ou vous vouliez démarrer votre carrière cinématographique, il existe de nombreuses bonnes idées que vous pouvez mettre sur pellicule (ou carte mémoire) sans avoir besoin d’un seul autre être humain.

Se préparer à filmer

Trouvez une bonne idée.Pour faire un film tout seul, vous devez écarter tous les autres acteurs et toutes les scènes qui doivent être tournées avec d’autres personnes. Malheureusement, cela élimine la plupart des effets spéciaux et des dialogues. Mais ces restrictions peuvent aussi être libératrices et mener à des bidouillages uniques et créatifs. Voici quelques idées que vous pourriez envisager de filmer.

• Un film artistique : certains pionniers comme Sadie Benning et Bruce Nauman ont apporté une contribution immense au monde de l’art, seulement avec leur caméra et leur envie de nouvelles expériences. Vous pourriez filmer de nombreuses choses, un journal intime ou des vidéos abstraites qui explorent le monde des couleurs et de sons. Trouvez de l’inspiration en consultant Video Data Bank.
• Des documentaires courts : tout ce dont vous avez besoin est une caméra et un microphone et vous pouvez vous retrouver dans la rue à interroger les passants et à filmer des scènes.
• Les têtes parlantes : ce genre de film est populaire sur YouTube et dans des séries comme « The Office », il consiste en fait à parler à la caméra pour prononcer un monologue ou montrer un sketch. Parfois, la vidéo est centrée sur un film ou un jeu que vous commentez.
• L’animation image par image : même si cela prend beaucoup de temps, l’image par image est une des rares techniques qui permet à un réalisateur de créer tout seul un film à l’allure professionnelle.

Écrivez un scénario de base. Vous n’êtes pas obligé de raconter toute l’histoire si vous travaillez encore sur une idée vague, mais vous pourriez vous guider au début du tournage en couchant quelques idées sur le papier. Presque toutes les vidéos racontent une histoire, dans une certaine forme et presque toutes les histoires sont faites de trois parties.


• Le début : mettez en place l’univers du film. Cela pourrait être vous, le personnage, le lieu que vous filmez ou simplement une couleur ou une humeur que vous voulez explorer.
• Le conflit : quelque chose vient déranger, changer ou transformer la mise en place initiale. Pour les films d’art ou les films courts, cela pourrait être un changement de rythme ou l’introduction d’un nouveau thème. L’histoire est racontée à travers ce changement.
• La résolution : comment se termine l’histoire ? Quels sont votre message ou votre pensée ? Certaines histoires se terminent tout simplement, mais cela ne veut pas dire que rien n’a changé à la fin.

Préparez votre équipement. Vous n’avez besoin que d’une caméra et d’un logiciel pour éditer les prises sur l’ordinateur, mais il existe aussi d’autres équipements qui pourraient vous aider à créer un film tout seul.

• Un trépied : si vous voulez filmer une scène tout seul, le trépied est la meilleure façon de garder immobile une caméra qui peut bouger, tourner, se baisser ou se lever à différents angles.
• Un éclairage : un bon éclairage est l’une des différences fondamentales entre un film qui a l’air d’être tourné par un amateur ou par un professionnel. Même trois ou quatre lampes de bureau à pince achetées dans un magasin de bricolage peuvent vous permettre d’obtenir une lumière plus forte et plus régulière pour votre film.

CONSEIL D'EXPERT(E)

Quand vous commencez à faire des films, vous n’aurez pas beaucoup d’expérience et vos équipements seront limités. Cependant, sachez qu’il est normal de ne pas tout avoir. Personne ne s’attend à ce que vous réalisiez du premier coup un film digne de Sundance. Il suffit de tourner avec ce que vous avez et proposez votre film au public en espérant que quelqu’un le verra et reconnaitra votre potentiel. »

Jouez avec la caméra pour en connaitre les caractéristiques. Si vous faites un film tout seul, vous voulez connaitre le plus possible de techniques. Votre caméra est votre meilleur ami et vous pourrez tourner un film vraiment unique et original en sachant comment la manipuler. La meilleure façon d’apprendre est de jouer, mais il existe quand même des choses que vous devez approfondir.


• La balance des blancs : cela permet de changer la « température » du film ou les couleurs. Une balance des blancs bien réglée vous permet d’obtenir des couleurs naturelles. Même si vous pouvez jouer avec ce paramètre pour obtenir des effets visuels différents, c’est généralement plus facile au moment de l’édition.
• Les lentilles : différentes lentilles pourraient changer en profondeur la composition de l’image. Jouez avec des angles larges, des lentilles grand-angle (ou fisheye) et macros pour changer les effets.
• Le point : il faut parfois toute une vie pour apprendre à obtenir un bon point et vous devriez commencer dès maintenant. Le point permet de savoir quelle partie de l’image est claire et quelle partie est floue. De nombreuses caméras possèdent un point automatique, mais vous devez savoir comment le régler manuellement pour faire de bons films.

Tourner le film

Concentrez-vous visuellement sur l’histoire ou l’idée. La vidéo est un milieu visuel et même si les voix et le texte permettent d’apporter des informations, ils ne sont pas obligatoires. Si vous tournez tout seul, vous ne pourrez pas utiliser de dialogue, d’acteurs ou beaucoup de sons pour raconter votre histoire. Cependant, vous avez tout le temps que vous voulez pour capturer des images extraordinaires, filmer de belles vidéos et travailler à la création d’angles fascinants.

• Gardez l’esprit du photographe à chaque prise. Demandez-vous si l’image seule est intéressante.

Préparez une maquette du film. Une maquette ressemble beaucoup à une bande dessinée du film. C’est une façon très utile de concevoir votre film en vous permettant de « voir » les scènes avant de les filmer. Elle fait ensuite office de guide pour le film. Vous pouvez trouver et imprimer des modèles sur Internet ou vous pouvez aussi dessiner simplement des prises en avance avec du papier et un crayon.

• Il existe aussi une place pour l’improvisation, bien sûr. Cependant, la maquette est une bonne façon de savoir où vous devez placer la caméra.

Utilisez un microphone externe. Les micros sur les caméras sont connus pour être de mauvaise qualité et ils deviennent inutiles si l’appareil se trouve trop loin du lieu de l’action. Un micro externe fera une différence énorme dans la qualité de votre production, car la plupart des gens remarquent plus facilement un son de mauvaise qualité qu’une vidéo de mauvaise qualité

Tournez de nombreuses prises. Filmez à petites doses, pas pendant de longues périodes, pour obtenir beaucoup de prises. Tournez de petites scènes intéressantes au lieu d’allumer la caméra et de la laisser en marche pendant que vous bougez. Cela vous permet d’être sûr de concevoir chaque scène séparément et de vous rendre l’édition plus facile.

Si vous filmez vous-même, restez à un endroit. Concentrez votre travail pour obtenir une image de qualité à une distance particulière de l’objectif. Si vous bougez beaucoup, la caméra aura du mal à vous suivre, le point va changer et vous obtiendrez des images floues.

• Installez un morceau de ruban adhésif pour vous indiquer l’emplacement où vous devez vous tenir à chaque prise.

Filmez de trois à cinq fois plus de prises que nécessaire. Les films, quelle que soit leur longueur, se construisent au moment de l’édition. Plus vous avez de matériel et de prises pour pouvoir travailler, plus il sera facile d’obtenir un bon film. Filmez différents angles de la même prise, passez par des lignes différentes ou filmez votre environnement pour les prises atmosphériques. Chaque prise supplémentaire compte.

• Jouez avec les prises. Filmez à des angles bizarres, tournez des prises bizarres ou abstraites des objets de la vie quotidienne et explorez votre quartier avec votre caméra. Vous pourriez ne pas utiliser les prises que vous tournez, mais il vaut toujours la peine de le faire, même si vous ne tournez qu’une seule prise de vue intéressante parmi cent.

Procéder au montage du film

Éditez le film pour raconter l’histoire. L’édition est l’une des formes d’art les plus sous-estimées du cinéma, mais elle est essentielle. Les meilleurs éditeurs sont invisibles, ils font des coupures et des changements à la perfection. Grâce à leur travail, le public ne se pose jamais de questions. Le film a l’air d’avoir été tourné en continu. Lorsque vous commencez à éditer les prises, vous devez vous assurer de bien connaitre votre histoire, le but et la thèse du film. Tout ce que vous allez faire pendant l’édition doit être au service de cette idée.

Apprenez à utiliser les coupures. La version obtenue par l’édition est appelée une « coupure », c’est-à-dire la transition entre une prise et la suivante. C’est de cette façon que le film raconte l’histoire, les images sont coupées les unes des autres et chacune d’entre elles montre au public un changement ou une progression légère, par exemple « elle entre dans le bâtiment » ou « il est en train de parler ». Cela peut être simple et symbolique, par exemple la coupure célèbre de Stanley Kubrick dans « 2001, l’odyssée de l’espace » où l’os jeté en l’air se change en station spatiale. Il est essentiel de savoir utiliser les coupures pour raconter votre histoire.

• Le hard cut : une coupure vers un autre angle ou une autre prise avec des transitions. C’est le type de coupure le plus commun dans les films.
• Le smash cut : un changement soudain vers une scène ou une image complètement différente. Cela attire l’attention sur la coupure pour signaler souvent une surprise ou un changement important dans l’histoire.
• Le jump cut : une coupure soudaine faite dans la même scène, généralement à un angle légèrement différent. Même si c’est plutôt rare, cela permet de créer un sentiment de confusion ou de temps qui passe.
• Le J-cut : une coupure dans le son de la prise suivante, mais pas de la vidéo. C’est une excellente façon de lier deux scènes ou d’apporter de la narration.
• Le L-cut : une coupure de la vidéo pour la scène suivante tout en gardant le son de la scène précédente. C’est une excellente façon de présenter un personnage qui parle de quelque chose, par exemple une promesse, tout en la tenant (ou non).
• L’action cut : une coupure au milieu d’un mouvement, par exemple en montrant une porte qui s’ouvre sur une pièce avant de couper la scène pour montrer la porte qui s’ouvre de l’autre côté dans la scène suivante.
• La superimposition : lorsque deux couches de différentes vidéos se superposent, ce qui implique qu’elles sont connectées ou entrelacées. On l’utilise souvent dans les transitions.
Les prises correspondantes : lorsque la forme d’une scène imite celle de la prochaine. Par exemple, vous pourriez filmer vos yeux avant de passer à la scène suivante où vous vous filmez avec des lunettes ou où vous filmez les yeux de quelqu’un d’autre. Cela permet de lier les prises tout en faisant apparaitre des différences fondamentales.

Réfléchissez au rythme des scènes. De nombreux éditeurs pensent en termes de cadres individuels, c’est-à-dire l’image immobile que vous voyez si vous mettez la vidéo sur pause et la compilez comme les musiciens qui utilisent des notes. Comment se déroule votre film ? En quoi la vitesse des coupures contribue-t-elle au rythme de la vidéo ? Voici quelques idées générales.


• Les coupures rapides donnent plus d’énergie à la scène et un mouvement de propulsion.
• Les coupures lentes et erratiques permettent de faire monter la tension, le suspens et l’attention. Elles ralentissent le film, ce qui permet au spectateur de contempler une prise ou une idée.
• Il faut entre trois et cinq vues pour que le cerveau humain reconnaisse une image. Vous pourriez perdre votre public si vous essayiez d’aller trop vite. Cependant, cela pourrait aussi être votre objectif.

Prenez le temps de bien colorer vos prises. La correction des couleurs est un processus pendant lequel vous ajustez la nuance, la saturation, la clarté et le contraste de chaque vidéo pour qu’elles semblent être toutes pareilles. Il est difficile d’arriver au même résultat pendant que vous tournez les scènes, c’est pourquoi il est presque toujours nécessaire de faire un peu de correction de couleurs au moment de l’édition. Tous les logiciels d’éditions de vidéo possèdent des filtres ou des effets pour la correction des couleurs. De nombreux programmes ont aussi des paramètres de correction automatique, mais celle-ci peut être plutôt aléatoire.

• Vous pouvez aussi jouer avec la correction de couleur pour obtenir des effets surprenants ou un éclairage spécial, par exemple des lumières jaune pâle ou des teintes rouge intense et dangereuses.
• Si vous voulez présenter votre film à des festivals ou des évènements, vous devriez envisager d’engager un professionnel pour corriger les couleurs.


Demandez l’opinion de vos amis. La seule façon de devenir un meilleur réalisateur de films est de partager le vôtre avec le reste du monde. Demandez aux autres de vous expliquer avec leurs propres mots ce qu’ils pensent qu’il s’est passé et de commenter ce qu’ils ont aimé ou moins aimé. Réfléchissez à des façons de vous améliorer et essayez d’incorporer leurs suggestions à votre prochain film. Qui sait, ils pourraient même vous aider à le réaliser.

Conseils

• Limitez-vous à une seule idée à la fois pour vos films. Au lieu de forcer quatre ou cinq idées dans le même film, concentrez-vous sur la meilleure façon d’exploiter à fond l’idée que vous voulez filmer.
• Faites des expériences en pointant votre caméra sur n’importe quoi. Vous avez la flexibilité et la liberté de faire ce que vous voulez, n’importe quand.
• Si vous ajoutez de la musique pendant l’édition, assurez-vous que celle-ci ne soit pas sujette à des droits d’auteur ou demandez l’autorisation à son créateur.

Avertissements

• Assurez-vous de vérifier que vous avez bien l’autorisation de filmer sur des propriétés privées ou dans des espaces publics. Vous ne pouvez pas filmer des inconnus, même en public, sans avoir reçu une autorisation d’un organisme compétent.

Termes du Cinéma et de l’Audiovisuel

A
Amorce
Au cinéma, l’amorce est un terme que l’on utilise lorsque le champ/contrechamp est utilisé. Un objet ou un personnage est dos à la caméra, et il marque une part de l’action ou du personnage qui lui fait face.

Angle de prise de vue
L’angle de prise de vue définit le champ visuel : l’image à l’intérieur du cadre. L’angle dépend alors de la position de la caméra et de la distance focale choisie. On considère l’angle de vue « normal » lorsqu’il est à hauteur du sujet filmé.

B
Bout à bout
Le terme « bout à bout » désigne un premier montage sans raccord ni retouche des scènes du film ou de la production, dans l’ordre que prévoit le scénario.

Bruitage
Le bruitage est une étape de postproduction durant laquelle les sons créés pour le film sont ajoutés aux images qui le composent.

C
Cadrage
Au cinéma, le cadrage désigne les images capturées par la caméra du cadreur au cours de la prise de vue. Ce terme désigne donc les choix des limites de l’image : échelle des plans, angle de prise de vue, organisation des personnages ou objets dans le champ.

Caméra subjective (ou point de vue)
La caméra subjective est un terme que l’on utilise pour désigner le cadre correspondant au point de vue d’un personnage.

Champ/contre-champ
Le champ désigne tous les éléments qui entrent dans le cadre lors de la prise de vue. Et donc, tout ce qui est visible à l’écran. Le contre-champ désigne une prise de vue opposée à celle du plan précédent.

Clap
Le clap est un accessoire de tournage, dont une partie est amovible. Elle est alors claquée sur l’autre partie pour indiquer aux intervenants du tournage que l’enregistrement débute.

Composition
Le terme « composition » désigne l’agencement des lignes, des formes et des mouvements internes au cadre. Elle donne de la richesse au plan, à l’image.

Continuité dialoguée
La continuité dialoguée correspond à une version du scénario qui comprend l’ensemble des dialogues et des scènes du film. Plus communément, on l’appelle scénario.

Contraste
On appelle « contraste » le rapport entre les parties sombres et les parties claires de l’image. Ce concept appartient donc plus largement au domaine de l’éclairage.

Contre-plongée
La contre-plongée est un angle de vue qui est situé sous l’objet ou le personnage du plan. Ainsi, cela permet de créer un sentiment de supériorité et de puissance du personnage ou objet filmé.

Coupe
La coupe désigne le changement de plan. Elle marque ainsi une forme de rupture de l’image et de la continuité d’une production.

Court-métrage
Un court-métrage est un film de moins de 20 minutes.

D
Décor naturel
Les décors naturels s’opposent aux décors artificiels. Ils sont le plus souvent situés à l’extérieur : paysages (déserts, vallées, montagnes, plage, etc.) bâtiments (ville, village), etc.

Découpage technique
Le découpage technique désigne l’ultime étape du scénario, que l’on conçoit après l’étape de continuité dialoguée. L’auteur du script et/ou le réalisateur se chargent de cette étape. Ainsi, il rédige une description de chaque scène, des plans à tourner, etc.

Dépassement
Sur les tournages des films, il n’est pas rare de prendre du retard. On parle alors de dépassement, que ce soit en termes de planning ou de budget. Les équipes sont souvent dans l’obligation de faire des heures supplémentaires ou encore, d’allonger la durée du tournage.

Dépouillement
On appelle « dépouillage » une étape de préproduction, consistant à noter et décrire les détails et informations de chaque scène du film.

E
Effets spéciaux
Les effets spéciaux sont des manipulations techniques permettant de créer des effets fantastiques, spectaculaires ou réalistes sur les images. La majeure partie d’entre eux est donc réalisée en studio.

Équipe technique
L’équipe technique rassemble les différents intervenants qui participent à la production du film. Il s’agit de l’équipe de tournage, des techniciens de postproduction, mais aussi des membres de la production.

Étalonnage
L’étalonnage est une étape de postproduction, qui consiste simplement à harmoniser les couleurs et la luminosité sur l’ensemble des images qui composent le film.

F
Figurant
Un(e) figurant(e) est une personne qui apparaît dans une scène de film, sans avoir aucun dialogue. Il peut alors s’agir des cyclistes qui passent en arrière-plan, des personnes attablées aux terrasses des cafés, les passagers d’un bus, etc.

Focale
On appelle « focale » la distance comprise entre la lentille et le centre optique de l’objectif. De la focale dépend donc la largeur de l’angle de prise de vue et, nécessairement, la taille des objets qui apparaissent à l’écran.

Fondu
Le fondu désigne l’enchaînement entre deux images. On l’utilise généralement pour l’ouverture ou la fermeture d’une séquence. Il peut donc être « au noir » (obscurcissement progressif jusqu’à la prochaine image) ou « enchaîné » (surimpression des images sur une courte durée).

G
Gaffer
Le « gaffer » est un tissu adhésif utilisé par les techniciens. Il est résistant et facile à découper. On peut alors l’utiliser pour réparer ou fixer des objets, marquer des repères au sol…

Générique
Placé au début ou à la fin du film, le générique indique le nom de l’ensemble des intervenants du projet sous forme de liste. On peut aussi y retrouver les titres musicaux du film et des remerciements aux partenaires de la production.

Girafe
Au cinéma, une girafe est une perche sur laquelle on fixe un micro, afin de réaliser une prise de son. La girafe repose sur un système de roues, alors que la perche classique est tenue par un perchman.

Gros plan
Le gros plan isole le visage d’un personnage, le coupant généralement juste au-dessus des épaules. On l’emploie donc pour mettre en avant le regard du personnage et amener les spectateurs à s’intéresser à ses pensées.

Grue
Aussi appelée « Louma », la grue est un appareil servant aux prises de vue en hauteur. Elle permet de maintenir la mobilité de la caméra, qui peut alors effectuer des mouvements précis et complexes selon les besoins de la scène.

H
Hors champ
Le hors champ désigne l’ensemble des personnages et éléments qui sont situés hors du champ de la ou des caméras, et qui ne sont donc pas visibles à l’écran.

M
Mixage
Le mixage correspond à l’ultime phase de sonorisation d’un film. Elle a lieu après la phase de montage, et permet ainsi de doser les bandes « bruits », « paroles » et « musiques » pour la bande-son finale du film.

Montage
Le montage désigne l’étape principale des différentes opérations de postproduction. Ainsi, durant cette phase, les plans sont choisis, assemblés et raccordés pour correspondre à l’ordre établi lors du découpage.

N
Nuit américaine
On appelle « nuit américaine » le système de prises de vue qui permet de tourner une scène de nuit en pleine journée, grâce à l’utilisation de divers filtres.

P
Perche
La perche est un long support, en forme de perche (ou de bâton), et qui comprend un micro à son extrémité. Cet accessoire permet donc la prise de son par un perchman placé hors champ.

Pitch
Un pitch est la synthèse d'un récit, d'une œuvre, à travers une phrase ou un petit paragraphe synthétique. Il contient de trois à quatre lignes.

C'est l'argument, le ressort dramatique, ou encore l'accroche, destinée à présenter son projet et à vendre un script. Il doit donc constituer une accroche courte et efficace du projet, afin d'inciter le producteur à proposer un rendez-vous à l'auteur ou à signer rapidement une option afin de bloquer les droits du projet.

Plus généralement, un pitch, c'est aussi l'action physique de présenter son projet, dans le cadre d'un rendez-vous ou dans le cadre d'un concours, souvent sur scène, comme il en existe dans de nombreux festivals de cinéma.

Il doit contenir assez d'éléments pour permettre à l'auditeur de se faire une idée juste du projet, sans surcharger la présentation de détails inutiles.

Il commence par l'exposition de la situation de départ et des personnages, se poursuit par l'incident déclencheur qui induit un biais dans la vie des personnages, induisant de nouveaux objectifs et des enjeux. La suite du pitch aborde la stratégie envisagée par les personnages ou les événements qui découlent de ces changements, jusqu'au premier revers de fortune majeur.

Un pitch doit s’adresser au plus grand nombre. Il doit être fédérateur.

Plan
On appelle « plan » le choix du réalisateur au cours du tournage, pour définir les informations à la fois visuelles et psychologiques qu’il souhaite transmettre aux spectateurs. Le plan est aussi un morceau de film entre deux raccords.

Plan d’ensemble
Proche du plan général, le plan d’ensemble se focalise sur un lieu tel qu’une place ou une rue en ville. Les personnages sont suffisamment visibles pour que le spectateur comprenne leur action. On décrit alors le contexte de l’action à échelle humain.

Plan général
Le plan général vise à décrire un lieu, un paysage, une ville ou tout autre décor. Il montre ainsi l’entièreté du décor, dans le but de créer un contexte autour de l’action qui s’y déroule. Petits, les personnages sont parfois intégrés au décor.

Plan moyen
Le plan moyen sert à positionner l’action et les différents personnages de façon plus nette et significative que les plans larges. On peut aussi découvrir certains éléments du décor, avec un ou plusieurs personnages. Le spectateur se focalise ainsi sur les personnages et leurs actions.

Plan rapproché
Un plan rapproché consiste à ancrer les personnages dans un plan cadré au niveau de la ceinture. On met ainsi l’accent sur les personnages, sur ce qu’ils disent ou font, sans oublier leur corps et leur gestuelle. Des éléments de décors apparaissent aussi en arrière-plan.

Plan-séquence
Le plan séquence désigne un morceau de film compris entre deux raccords. Il s’agit donc d’une scène de film, d’un passage, qui se situe dans un seul et même lieu. Il se concentre aussi sur un dialogue principal ou une action distincte. Un seul et unique plan, sans montage ni coupe.

Plateau
Le plateau désigne le lieu de tournage, où les acteurs et l’équipe technique se réunissent pour tourner les prises de vue. En studio, le plateau désigne également le lieu où les décors servant à l’enregistrement des scènes sont fabriqués.

Plongée
La plongée est une prise de vue effectuée avec un angle situé au-dessus du personnage ou de l’objet présent dans le plan. Contrairement à la contre-plongée, la caméra filme « en bas » en plongée, ce qui induit alors un sentiment de fragilité, de faiblesse.

Postsynchronisation
La postsynchronisation est une opération visant à enregistrer des bruitages et des dialogues après le tournage. Il s’oppose donc au son direct, enregistré à même le plateau de tournage.

Prise
Une prise désigne l’enregistrement d’un plan au cours du tournage. L’équipe peut alors réaliser plusieurs prises pour les différents plans et scènes, jusqu’à l’obtention d’un résultat satisfaisant pour le réalisateur.

Profondeur de champ
La profondeur de champ est un terme utilisé pour définir des réglages nécessaires à l’obtention d’une image nette, que ce soit au premier plan ou à l’arrière plan.

R
Raccord
Les raccords désignent les enchaînements entre les plans. Pour que le raccord soit bon, il faut donc veiller à conserver une parfaite harmonie entre les costumes, les objets, les décors et les lumières.

Règle des tiers
La règle des tiers est un concept consistant à placer les différents personnages, éléments et objets importants sur des lignes imaginaires, qui permettent de diviser l’image en parties équivalentes. Les lignes en question sont alors placées aux tiers verticaux et horizontaux: ce sont les lignes de force.

Repérages
Les repérages consistent à rechercher des lieux de tournages et à les étudier pour déterminer les positionnements possibles des caméras. Les repérages permettent aussi d’avoir une idée plus précise de la façon dont les plans souhaités vont être réalisés.

Répétition
Une répétition est généralement effectuée par les acteurs, en amont du tournage, et sous la direction du réalisateur. Ensemble, les acteurs répètent les scènes ainsi que les dialogues avant de les jouer devant la caméra. Le réalisateur peut alors livrer des consignes spécifiques.

S
Scénario
Le scénario désigne une version écrite de la production. Les scènes du film y sont décrites, et il comprend également les dialogues des différents personnages.

Scène
On appelle « scène » la succession de plans se déroulant dans un même lieu, ou qui est unie par une unité dramatique.

Sens de lecture
Le sens de lecture est un terme courant que l’on utilise pour désigner le chemin que l’on suit du regard pour lire une image.

Séquence
Une séquence de film est une scène, un passage, qui se déroule dans un même lieu. Elle peut aussi reposer sur une action précise, ou sur un dialogue en particulier.

Son direct
Le son direct s’enregistre sur le plateau, durant les différentes prises de vue du tournage. Il s’oppose donc à la postsynchronisation.

Studios
Les studios sont des lieux que l’on consacre aux tournages de films et dans lesquels les équipes créent les décors artificiels. Ils comprennent aussi de nombreux services annexes au travail de production comme les loges des intervenants, les lieux de restauration et les salles de montage.

Synopsis
C'est le résumé condensé d'un scénario destiné à présenter un projet de film aux acteurs pressentis. Il ne devrait pas faire plus de trois à quatre pages. À ce titre, il décrit les grandes lignes de l'histoire, esquisse les principaux personnages et leur évolution, sans entrer dans les détails. Il ne comporte pas de dialogues et est rédigé au présent de l'indicatif, dans un style simple, souvent indirect.

T
Traitement
Le traitement est une étape clé du scénario, et il précède la continuité dialoguée. On le développe à partir du synopsis (court résumé de l’histoire du film). Ce texte de plusieurs dizaines de pages va alors permettre de décrire dans le détail les intrigues et les scènes principales d’un film.

Très gros plan
Un très gros plan permet de montrer un détail ou un élément très précis du visage ou du corps d’un personnage, comme une cicatrice, un doigt, un œil ou sa bouche. Ce plan couvre alors toute la surface de l’écran et permet ainsi de focaliser le spectateur sur un détail particulier.

Travelling
Déplacement de la caméra au cours de la prise de vues cinématographique, pour suivre un sujet en mouvement, pour s'en rapprocher ou s'en éloigner, ou pour le contourner et le voir sous un nouvel angle.

Z
Zoom
Il s'agit d'un travelling optique. Le zoom est un effet que l’on obtient avec la caméra, en créant une impression de mouvement de celle-ci vers l’avant ou vers l’arrière. On manipule pour cela la focale de l’objectif, lors de la prise de vue. Ainsi, la caméra ne bouge pas réellement : elle en donne simplement l’impression au spectateur.

A propos

QUI SOMMES-NOUS

Le Cinam rassemble des membres actifs et des membres sympathisants dont la passion n’a d’égale que la qualité de ces productions vidéo. Ces dernières sont réalisées pour le plaisir de partager entre amateurs des productions originales ou pour certains, de les présenter à l’occasion d’un concours national ou même international. De nombreux prix ont déjà été remportés, dans différents festivals toutes catégories confondues, par certains de nos membres.

Au Cinam, toutes les productions sont les bienvenues, les documentaires, les films animaliers, les reportages, les clips musicaux, les films d'animations, sans oublier bien sûr les fictions.

Les séances de projection sont organisées à raison d’une par quinzaine. Les films réalisés par les membres sont appréciés par l’ensemble de l’assemblée suivant le degré d’analyse souhaité par le réalisateur. Ces remarques, toujours constructives, vont lui permettre de constater l’impact que son film a eu sur un public exigeant et de faire ressortir également les points forts et ceux qui devront être améliorés. Il est certain qu’une production pour le plaisir ne sera pas examinée avec les mêmes critères qu’un film destiné à la sélection d’un concours.

D’OU VENONS-NOUS?

C’est au lendemain de la guerre 40-45 que quelques amis passionnés par l’éclosion du cinéma amateur, se réunissent à l’initiative de Hector Piron, photographe à Namur. Guy de Chaffoy nous explique que c’est en 1948, suite à l’une de ces réunions que son ami André Demoulin, le Dr Vallenschoot, Hector Piron et lui-même forment une première association qui va s’étoffer rapidement pour se constituer l’année suivante (1949) en asbl sous le nom de : CINAM. (Cinéastes amateurs namurois).

Bien qu’il ne soit jamais devenu membre du Club, dès le départ, les réunions se tiennent dans la maison familiale d’Hector Piron (lieu qui est aussi sa maison de commerce). Hector Piron estimait qu’il se trouvait dans une position délicate en tant que commerçant en produits photographiques et en tant qu’amis des gens qui faisaient du cinéma. (Faits rapportés par Ludo d’Hoop).

A cette époque, n’importe qui possédant une caméra et qui avait un parrain au Club, pouvait entrer au Cinam. Le parrainage avait été institué pour que les membres sachent quand même plus ou moins qui était amené comme futur ami, car le club n’était constitué que d’amis qui se connaissaient bien et qui s’appréciaient.

Pour garantir aux membres une certaine liberté de propos, les robes n’étaient pas admises, pas plus que les curés (puisqu’ils étaient toujours en soutane à cette époque), a fortiori, ni les nonnettes, ni les femmes. C’est GERARD SEVRIN, au cours de sa présidence
- dans les années ’60 - qui a accepté la présence des épouses et décrété que les femmes pouvaient désormais faire partie du Club. (Faits rapportés par Guy de Chaffoy).

La vie du Cinam n’a connu aucune parenthèse depuis sa création et l’apparition de la vidéo (analogique d’abord, digitale ensuite) au cours des années ’90, a donné un nouvel élan au Club. C’est pendant ces années-là, que naissent les « Ateliers du Cinam » où de nouveaux membres viennent s’inscrire en masse, pour apprendre le langage cinématographique, le montage de films sur PC, l’écriture du scénario, la réalisation de reportages … voire tout simplement la manipulation de leurs nouvelles caméras numériques.

C’est à partir de ces mêmes années que se font des tournages ambitieux dans lesquels tous les membres du Club sont intégrés et que les réalisateurs du Cinam trustent les prix dans les concours. (Unac, FCVFB, Benelux, Drake etc …).

Les années 2000 voient apparaître le CINAMAGAZINE (le journal du Club, à parution quinquénaire), un concours club annuel : « TROIS MINUTES DE PLAISIR » et un CINE-DIALOGUE où sont analysés et jugés par un jury de professionnels du Cinéma et de la Télévision, une sélection de films représentatifs de la production annuelle des membres du Club. C'est pendant ces années-là également, qu'apparait pour la première fois sur Internet le nom du Cinam (cinam.be) qui abrite un premier site. C’est aussi à cette époque (en 2004 exactement) que le Cinam a été reconnu « ROYAL » et qu’il a pris le nom de ROYAL CINAM CLUB asbl. Dans l’histoire du Cinam, deux points bien particuliers sont dignes d’être soulignés :

- La Fédération des clubs de ciné-vidéastes francophones de Belgique a confié pendant 20 ans l’organisation de son festival annuel au Cinam. Ce long bail témoigne de la place importante du Club dans le cinéma amateur francophone. - Un second point mérite d’être mentionné. C’est le rôle joué par Stéphane Rubay.

-Stéphane Rubay, un cinéaste de talent, aux avis éclairés qui a assumé pendant tout un temps, la présidence de la Fédération, mais surtout celle du Cinam, pendant plus de trente ans.

Aujourd’hui, le Club se porte toujours très bien. Si la pellicule a définitivement disparu au profit de la vidéo haute définition, les objectifs du Club, eux, sont restés les mêmes : initier les amateurs aux techniques audiovisuelles, veiller à leur perfectionnement et les aider dans la réalisation et la production de films. C’est sans doute la raison pour laquelle de nouveaux vidéastes amateurs viennent rejoindre le club chaque année, comblant les vides laissés par le départ d’autres. Et c’est toujours avec le même plaisir et la même convivialité qu’ils sont accueillis, même si à présent, c'est plutôt un smartphone qu’ils tiennent au bout des doigts.

HISTORIQUE DES PRESIDENTS DU CINAM

- De 1949 à 1960 : André DEMOULIN - Guy HILGERS - François DEBAUCHE
- De 1960 à 1970 : Gérard SEVRIN
- De 1970 à 1973 : Guy de CHAFFOY
- De 1973 à 2005 : Stéphane RUBAY
- De 2005 à 2010 : René LAMOTTE

Depuis 2010, c’est André THERASSE qui préside aux destinées du Cinam.